Haupt Sonstiges Wenn klassische Musik zu einem anderen Charakter in einem Film wird

Wenn klassische Musik zu einem anderen Charakter in einem Film wird


Manchester by the Sea mit Casey Affleck in der Hauptrolle verwendet einen Teil von Händels Messias. Der Regisseur des Films verwendete auch in einem früheren Film, Margaret, klassische Musik. (Moviestore Collection Ltd / Alamy Stock Foto) Von Anne Midgette Anne Midgette Klassische Musikkritikerin Email War Folgen 6. Oktober 2017

ichliebte Regisseur Kenneth Lonergans lyrisches und ergreifendes „Manchester by the Sea“ – für seine Schauspielerei, sein Drehbuch (es gewann für beide den Oscar) und, weniger offensichtlich, seine Filmmusik. Der Regisseur verwendet klassische Musik nicht nur, um den Dialog zu unterstützen, sondern in manchen Fällen auch, um ihn zu ersetzen – etwa in der ausgedehnten Begräbnisszene, in der eine Auswahl aus Händels „Messias“ zu einem langen Kontrapunkt zur Trauer wird, wie ein erfrischendes Meer Wind verstärkt die Schneide des Schmerzes.

Klassische Musik ist auch ein Schwerpunkt von Margaret, Lonergans früherem und größerem Werk, das von einigen als sein Meisterwerk gefeiert wird. Zu den vielen Reizen dieses Films gehören Originalaufnahmen von Christine Goerke, Susan Graham und Renée Fleming, die an der Metropolitan Opera singen – für Musikfans ein erheblicher Schnitt über Ihren üblichen Filmaufnahmen.

Obwohl ich Margaret mochte, frustrierte mich die Verwendung von Musik zutiefst. Ja, es bietet zwei gute Opernstücke – Casta Diva aus Bellinis Norma und die Barcarole aus Offenbachs Hoffmanns Erzählungen. Aber in Margaret, einem in vielerlei Hinsicht intelligenten Film, reduzierte er die Oper effektiv auf den Stoff des langjährigen Hollywood-Stereotyps. Oper ist in den Filmen allzu oft ein Zeichen für etwas Erhabenes und Transzendentes, das unserem eintönigen Leben einen Sinn verleiht – Sie haben sie in Hollywood hundertmal gesehen. Und bei Margaret hatte ich das Gefühl, dass Lonergan gestochen hatte, indem er das Ende einem künstlerischen Deus ex machina übergab: einer Opernszene, die in diesem Zusammenhang eine durchaus banale, bürgerliche Art der Kunstpräsentation war.

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Das ließ mich darüber nachdenken, wie klassische Musik im Film verwendet wird – und wie der Verweis auf ein Kunstwerk inmitten einer anderen Erzählung, sei es Film, Malerei oder Roman, diese unbeabsichtigt untergraben kann.

Viele Filmmusiken gelten natürlich als klassische Musik: von Margarets Originalmusik von Nico Muhly bis hin zu Klassikern von Nino Rota, Erich Wolfgang Korngold, John Williams oder sogar Dmitri Schostakowitsch. Wenn ich an klassische Musik im Film denke, denke ich jedoch an tatsächliche Konzertwerke aus dem klassischen Kanon: Wagners Walkürenritt in Apocalypse Now, Gershwins Rhapsody in Blue in Woody Allens Manhattan.

Filmregisseure neigen dazu, klassische Musik auf zwei Arten zu verwenden. Manchmal wird es einfach als normaler Soundtrack verwendet, als Begleitung der Geschichte: Rachmaninows zweites Klavierkonzert in David Leans Brief Encounter, Schuberts Unfinished Symphony in Stephen Spielbergs Minority Report oder eines der Stücke aus dem Jahr 2001: A Space Odyssey, ein Film, der prägte den Anfang von Richard Strauss' Tondichtung Also Sprach Zarathustra unauslöschlich in die Köpfe und Ohren einiger Generationen amerikanischer Kinobesucher.

Aber auch klassische Musik wird oft als Plot Point verwendet. In Pretty Woman geht Julia Roberts in die Oper und reißt die Geschichte einer anderen Kurtisane mit einem Herz aus Gold auf. In Apocalypse Now legt Lt. Col. Bill Kilgore den Schalter eines in seinem Helikopter montierten Reel-to-Reel-Tonbandgeräts um und spielt Ride of the Valkyries als surreale Begleitung zu den Helikoptern, einer modernen Inkarnation fliegender Krieger, die einen Vietnamesen angreifen Dorf. In The Year of Living Dangerously sucht Billy Kwan, gespielt von Linda Hunt, emotionale Zuflucht in einer Aufnahme von Beim Schlafengehen, einem der vier letzten Lieder von Richard Strauss. In all diesen Fällen ist das Hören der Musik ein Teil der Geschichte.

Und oft genug wird die Musik in solchen Szenen als Signifikant verwendet. Nur selten ist das Hören von Musik so organischer Teil einer ganzen Geschichte wie in Moonstruck, einem Film, der mit seinem übertriebenen Humor und seiner Eindringlichkeit wie ein natürlicher, organischer Auswuchs der Szene von La Bohème im Herzen zu sein scheint. Lonergans Verwendung der Oper als schönen, beruhigenden und bedeutsamen Klang spiegelt die Szene in The Shawshank Redemption wider, als Tim Robbins' Figur ein Duett aus Mozarts Die Hochzeit des Figaro durch das erschreckte Gefängnis sendet und Morgan Freeman in einem Voice-Over sagt: Ich habe keine Idee bis heute, worüber diese beiden Italienerinnen sangen. . . und für den kürzesten Moment fühlte sich jeder letzte Mann in Shawshank frei.

Kunst ist von Natur aus großartig – und von Natur aus bedeutungslos. Oder besser gesagt, seine Bedeutung ist den wenigen von Gott berührten vorbehalten. Diese Botschaft wurde uns immer wieder eingehämmert, von The Waltz King bis Amadeus – obwohl ich die Liste von Naxos mit mehr als 400 Filmen mit klassischer Musik nicht durchgegangen bin, um die Daten zu ermitteln.

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Klassische Musik scheint am effektivsten zu funktionieren – um ihre Tropen zu verlassen, wenn man so will – in Filmen, die sie in Frage stellen, herausfordern oder neu kontextualisieren. Das Nebeneinanderstellen kontrastierender Botschaften kann zum Beispiel einen klangvollen Kontrapunkt setzen, wie die Eröffnungssequenz von Scorseses Raging Bull, in der Robert De Niro wie von der Schwerkraft befreit durch das Intermezzo aus Mascagnis Cavalleria rusticana um den Boxring tanzt. The Ride of the Valkyries-Szene in Apocalypse Now, die glorreiche Musik und alptraumhafte Kriegsbilder zusammenfügt, greift auf jahrzehntelange Debatten über Wagner und Moral und das Rätsel der Menschen zurück, die Böses tun, aber Gutes lieben. Eine weitere denkwürdige Zusammenfassung des Rätsels der bösen Menschen, die gute Kunst lieben, ist die Szene in Jonathan Demmes Das Schweigen der Lämmer, in der Anthony Hopkins als Hannibal Lecter Bachs Goldberg-Variationen hört, was nicht zuletzt auf sich selbst hinweist, dass er ist den schwerfälligen Wachen, die ihm sein Essen bringen und die er brutal ermordet, unendlich überlegen. Der Moment unterstreicht nicht nur die Faszination von Lecter, sondern untergräbt auch die gewohnte Rolle der klassischen Musik als Sinnbild des Guten.

Es ist eine Herausforderung, ein kraftvolles Kunstwerk in ein anderes zu integrieren. Sie verlieren die Kontrolle über Ihre eigene Erzählung. Möglicherweise werden Sie dem Werk, das Sie einarbeiten, nicht gerecht, und wenn Sie dies tun, konzentriert sich das Publikum möglicherweise eher auf Beethoven als auf Sie. Das ist kein Filmproblem: Auch Romanautoren versuchen manchmal, bestimmte Kunstwerke zu beschwören, die sie besonders lieben, und sind dann, wenn die Musik fehlt, herausgefordert, eine Prosa zu entwickeln, die virtuos und ausdrucksstark genug ist, um etwas davon zu vermitteln die Realität für Leute, die sie nicht kennen.

Und dann, ein Vogel aus seltensten gesponnenen Himmelsmetallen, oder wie silbriger Wein, der in einem Raumschiff fließt, Schwerkraft alles Unsinn, kam das Violinsolo über allen anderen Saiten, und diese Saiten waren wie ein Seidenkäfig um mein Bett, schrieb Anthony Burgess über Beethovens 9. in A Clockwork Orange. Dies wurde für Kubrick, den Regisseur, der den Roman für die Leinwand adaptierte, de facto eine Herausforderung, den unverwechselbaren Standpunkt zu wahren, denn eine wörtliche filmische Übersetzung von Prosa über Musik wäre nur ein Musikstück. (Kubrick hat das Problem gelöst, indem er einen Teil des Textes als Voice-Over hatte.)


Schuberts Unvollendete Symphonie begleitet die Geschichte im Minority Report, links, in dem Tom Cruise und Samantha Morton die Hauptrollen spielen. (ScreenProd / Photononstop / Alamy Stock Photo)

Lonergan hat eindeutig eine viel differenziertere Wertschätzung für klassische Musik als viele andere – wie Manchester by the Sea gezeigt hat. Und ich bin sicher, er würde überrascht sein, dass mich die Oper in Margaret so kalt gelassen hat. Auch Lonergan strebte danach, einen Kontrapunkt zwischen der Reinheit der Schönheit und der Komplexität des Lebens und der Art und Weise zu schaffen, wie man einen über den anderen heben kann. Aber seine Liebe zur Musik schien hier im Wesentlichen klischeehaft zu sein, da seine eigene künstlerische Reaktion ihn versagte und er einfach die Zügel der Musik überließ und die Barcarole aus The Tales of Hoffmann, ein sehr schönes, aber nicht sehr aussagekräftiges Stück, das Schwere tun ließ Aufhebung der Katharsis.

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Es gibt einen großen Unterschied zu der Art von Dialog, den Luchino Visconti mit der Musik von Gustav Mahler in Der Tod in Venedig führte, in dem die Musik während des gesamten Films so greifbar war, dass etwas unvermeidlich war, als sie die Handlung übernahm, wie der Film verblasste zu den langsamsten und nachhaltigsten Bildern, bis die Filmmusik die Charaktere weggefegt hatte und ununterbrochen über den Tod des Protagonisten, über den Abspann und vielleicht bis zur Tür weiterging. Die Musik hat das letzte Wort, doch der Regisseur lässt die Zügel nicht los.

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Anne MidgetteAnne Midgette war die wichtigste Kritikerin der klassischen Musik. Sie verließ The Post im November 2019.